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【转载】齐鸣中国画作品  

2013-11-04 06:39:15|  分类: 默认分类 |  标签: |举报 |字号 订阅

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本文转载自张波 《齐鸣中国画作品》

 齐鸣中国画作品

2013年11月02日 - 张波  - 张波的艺术空间

 

  宁静致远 
    齐鸣


   时下里,据说把人当物画,或当笔墨画,方能触及到人的精神层面、绘画本体,进而才是艺术。尽管我不知道我的画算不算艺术,但我始终是把人当人去画。我想,我之所以画画,其根本动因就是出于对人的兴趣,而且这个人不是指那些诗文作品或抒发胸臆时杜撰出来的,或预设出某种情境,把现实人物当做这种理想的替代物,而是在直面现实、直面人生的感动之后引发的。
  顺其自然几个字对我合适,随心去画,但决不草率从事。我很少有意识地强迫自己画什么,或不画什么,既来不了重大、崇高、深刻的艰辛,也来不了飘逸、调侃、游戏的逍遥,没有刻意寻找艺术表现的角度与题材,认真而又不紧不慢,无意中把自己留在了一个不太艺术的现实主义的领域里了,好像当代的流行大师都不屑于这一领域了,可我既然进来了,也就懒得再去寻寻觅觅,于是在这个空间里画自己的画倒也自在。这里我所说的现实主义是借这一提法,取其现实的一面,以写实为手段,说自己的画。
  我的画属于平民绘画,不仅是因为画中的人物都是极普通的百姓,还因为我作为普通人以平常的心境去体验平常人的真实感受和他们的自在状态。我很少画太丑或太俊的形象,对那些其貌不扬人物更钟情一些,从他们转瞬即逝的情态在微茫之间的变化中捕捉令我心动的东西,并把它们固定下来。这其中寄予了我对人性与人文的理想,也还包含着我对形式的发现和认识,把温情寓于平淡之中,把至爱返还于人,自然地去表达人性的真与善,直至忘我。我的一系列作品如《流年》、《老农头像》、《晚秋》等,无论是群像还是单人肖像,包括我的花鸟画,基本都是围绕这个主题展开的。
  作为绘画平民化的一种追求,让观众与画交流时达到“润物细无声”的悄然,不自觉地走入画中而忘了自我的存在。从这一点来看,如果说表现个性应是一种艺术追求的话,那么我这时追求的就是没有个性,不去指手画脚地有意识地张显自我的存在,甚至可以说我追求的是人所共性的东西,能够相融的东西。再则,我不认为个性是一种自觉的行为,而应是人的一种品质,不会因为没有被给予足够的醒示而自行消失。
  自觉得是个本色的画家,却不风格化。我绘画的表现手段大体是按照我所习得的专业知识和技能去进行的,既不反传统,又不反学院,或许还稍有些卫道士的味道,我绘画的底蕴便出自于此。我也没什么不好意思的,尽管当代有不少的现代画家或对此不屑一顾,或把摆脱传统与学院作为个人成功的一种标志。前些时一位画虾名家谈创新体会时说在研究齐白石近十余年后终于自出机抒,另辟蹊径,变法成功。而细观之其所变之处却恰是最逊于齐白石处。由此看来,突破传统需要的不仅仅是愿望和胆量,恐怕最需要的还有比这些更具体更艰难的修炼。从巨人肩上踩过与从巨人裆下钻过不可同日而语。我崇尚源于经典的个人精神,或者说是在严格的法度和理性精神规范下形成的个人语言,这与只求以变和不同为动机所形成的新是不同的。我不敢把什么创新啦、现代啦等等一些词义暧昧的话语常挂嘴边,也不会把本不现代的我包装成一个现代的形象。我对新与旧、现代与保守的问题没有很浓的兴趣,常见被视作现代样板的东西转眼就过时了,也眼看着若干年前的东西被很认真地加了一个新字后照样现代,我则总也没找到参与的感觉,赶不上潮流,说是对潮流溜边的人也可以。在此倒不是要臧否这一类文化现象,而是在参照中做出我的第三种选择。在我所认定的这片空间里,我只认脚踏实地地工作,没有把视野转向某特定时期或某—类文化问题,耐心地画那种文以载道的绘画。
  我喜欢运用经典形式画画。实际上,画家处于表现的状态时,理智和情绪便依着当时特定的心态去做着选择,无论是眼前看到的,还是经验积累的,都不会原封不动地反射出来,〖GK!7〗都将被转换成符合艺术家内心所认可的一种形式,被呈现的肯定是艺术家自己认为最真实、最有价值的东西。我觉得很难的是把每一种语言因素协调起来,建立起属于这种造型的秩序和关系。
  每个人从选择、限定、协调到形成完整的作品是一个很个人化的内心体验过程;是彼此无法替代的、难以重复的。从另一方面来说,这种被建立的关系又形成了不同于其他的形式特色。我努力把这些以往不相干的或难以相融的因素尽可能和谐地融在一起。我希望我的工笔画能够蕴藏一种内在的力量在观赏的过程慢慢地去释放,不同于永乐宫壁画那种阳刚逼人的力度,不同于手卷工笔人物的小巧阴柔,也不同于阎立本《历代帝王图卷》那种源于追溯和理念的形象,似乎接近王绎、曾鲸这一路的肖像画。也许这一路的绘画在中国美术史上的地位不算高,与中国传统美学的高境界有距离,不在逸品行列,但是仅凭他们灵感独抒,肇始于现实的真实人物这一点上,我倾心。我所看重的不单是审美本身的问题,而是它对活人的关怀,在这些似我非我的求索中,我已不自觉地存在于其间,并留下了痕迹。我运用工笔这一形式并不是出于一种唯美的追求,为艺术而艺术的那种作纯粹形式的绘画,我之所以耐心把握那些相互矛盾的东西如:平与厚,写实与写意,理性与温情,完整与不完整之间的分寸,就是要从中去寻找一种意味深长的东西,我无法把形式与内涵分开去谈论我的绘画,不想四平八稳面面俱到地制作出完整作品,而想画出一种有画意的工笔画。把精致完美的技艺与形式作为目的是对艺术的一种偏离,不仅会使感觉受到窒息,也会使艺术变得肤浅。画得经看只是一个方面,耐品则是在超越技艺之上达到的一种境界。我仍旧相信尽心则真,至真者善,尽善者尽美。因此真正的完美是表里如一的。好的作品尽管风格各异但在这一点是共同的。我画现实主义的写实的工笔画,不过我追求的却是一种诗意的现实,一种朴厚温和、充满人情味的气息。我不认为写实与表意是不能并存的两个范畴,起码在目前我还没有完全意识到这个限制。如果说到对自我心灵的束缚,恐怕也不独是写实的绘画。对所有不能把心灵与表现协调一致的人来说,每一种形式都给人以限制。绘画是对有形的感悟进入无形的境界,所谓“乘物以游心”,乘物以游心为目的,“故有之以为利,无之以为用”。从形式角度说写实与不写实都不过是载体,乘物而无心可游与有意而无物可乘一样都无法使心境得到充分展示。有诗意的东西未必只有诗才能表达,何况诗的表达形式也不是仅限古体一种。从这个意义上讲,绘画精神性的强弱有无,其根本在人,在于画画的人有无才能从对象身上发掘出闪光的东西。画家关注的问题、追求的趣味,在画中一览无余。画的品格即是画家的品格的说法的确不假。如果画家失去了内在精神的支配,无论其技法的高妙程度如何,他的作品也只能是趋于标本的存在。
  现实主义不是对自然的复制,而是一种选择,所真正表达的并不全是画家直面看到的对象。它通过来自现实形象的体验,去表现一种理想。写实绘画的可读性是通过画家对现实人物的内心的解读程度和发掘程度展开的,而不是描绘细节本身。
  画画和做人一样,知道什么是自己需要的,并且是自己能做到的,这是画好画的前提。每个人都有自己的局限,又因为有了局限才有了自我。去选择适合自己做的事情,哪怕一点点,都是真实的,对自己或对他人都肯定是会有益处的。

我看工笔肖像画

 齐鸣   

记得十年前在《宁静致远》一文中,曾表明过我的对人物画的态度,即“我一直是把人当人去画的”,这一理念至今没有改变,在追求创新的时代,怕是已经落伍了。在蒋兆和先生的时代,对现实人物直面的表现是创新的艺术,现在时代变了,人们的观念和追求也变了。可是细想,其实这个观点也不是我的首创,只是表示我对直面现实的认同和坚持而已。我的画自然不能说是时代的新的艺术。

现在的工笔人物画多表现都市青年,或少数民族人物,即使是村姑也接近城里的小资了,且多以大、细、繁、满、柔和悦目为时尚,或富丽或甜美,或肌理或重彩,对绘画形式语言的追求很自觉,从构思选材到形式趣味,都让人闻到与时俱进的气息。看到工笔画没有因画种古老而暮气沉沉,其实,无论在工笔画的鼎盛时期还是式微年代,它们的存在除内容与形式及文献意义之外,还记录特定环境下人的精神状态和趣味追求及时代烙印,联想到语言的形成大抵相似,在交流中传承,在传承中丰富。大家遵循彼此能够接受的方式去沟通,形成了对语言的讲究和习惯,至于交流的腔调、情趣及品位等与表达相关的问题,则是交流者个人的事情。好的语言应当是简洁明了,真切自然,雕饰过多往往会势得其反,而伤其内质。工笔画属程式性很强的画种,讲究制作的循序渐进和平心静气的表达,不易直抒胸臆反易僵化刻板,因此在元代以后经历很长时间的势微和低靡,到上世纪八十年代以后才重现复兴的起色。它的复兴是在画坛多元格局形成之后,文人画趣味隐退,水墨画不再占据主导地位,工笔画色彩和制作上的长处在被赋予了新的内涵之后重现的,或者说,大环境的变化,激活了画家内心潜在的渴望,唤起了探求与之相应的描述方式的热情,算是对自我重新发问后的选择吧。

本人不属气质好的一类人,弄潮的事是不去想的,到现在连观潮的热情也不高了,也就或多或少的吸入些潮气。自觉得我的画是不入时尚的,而且,时下以虔诚态度画这类人物肖像尤显得吃力不讨好,被画的人没闲看,寻常人家不屑挂。上次山东一个画家对我说像这样不喜庆不美的画他是不碰的,当然,我也不画他喜欢的那类题材。这是没有办法的事,因为各有所好,才有选择的意义,毕竟是敝帚自珍,“古之学者为己”,画画首先得感动自己,这也是我在肖像里所要追求的,算得是认真投入的自娱自乐吧!不入时尚,只是不想使画画或常说的创作功能化,如果画画除直接为社会服务以外还可能有其他作用的话。想慢慢地咀嚼品味被渐渐淡忘和失去的那些东西,透过现实形象寄托理想,即珍惜生命的价值,体会人性的温润!

因为喜欢肖像画,自然就多了一层关注,每个人都是独特的,看仔细了总有什么道不尽的东西牵引着你。也因为画肖像一直把素描看得很要紧,画画时通过我的素描经验把体察、构思、表达提炼出来。素描不仅是再现的功能,更重要的是把体察形式化,留住深刻与鲜活的生命状态。有些事真是令人费解,写实造型已成为现代中国人物画的通行手段,相比五十年前的蒋兆和先生,除艺术感染力不足之外,在造型能力、专业理论和传统功力上几乎什么都不差,该懂的都懂了,而且技艺娴熟,手法多样,但以作品相比较却让人看不出有更多的可比性来,小家和大家不言而喻。像书店里教美术考生的素描书铺天盖地的一片,有技法大全的意思,范画的比例、结构、空间都没有问题,就是不感人。从技法学习绘画,又从技法理解语言,理解创新,似乎视觉艺术只是可见处的功夫,多样化探索也集中在这一层面上,与心灵总是隔着一层,的确,看到的花样多了,内心的丰富性和真切感人的东西却减少了,尽管它们不一定是非此即彼的关系,但事实却是这样的结果。由此想到,“通行手段”不可以当作艺术的目的,尽管添加了一些新花样。的确每个人从形象里解读的结果很不相同,不能因为美术考试画人头像,就把伦布朗的肖像归入试卷或习作类,其境界悬殊是不好比较的。我喜欢伦布朗的肖像画,站在画前你会发现他抒写般的笔触里承载着怎样精微用心,耐读得令人叹为观止,以至忘记内容和形式的区别。在艺术中所有可见的东西都是围绕心灵展开的,作品风格不是给人看的,或者说刻意让人看风格的作品不是好的风格。蒋兆和先生的画第一眼看到的是钻心的感动和震撼,而不是风格和笔墨。还是那句话,面对具体人物每个画家从中发掘的总是与之心灵相近的,其他常视而不见,即使持相同或相近的态度,也会因秉性趣味的差别而有所不同,纯客观的艺术是不存在的。

以肖像论,西洋画强于中国。中国古代传统向来崇尚主观情感的抒发,较少往实处较劲,直面现实的画不多。早古肖像画虽然有名有姓,但不是以人为本,而是以人说事,形象是画家心目中的:如顾恺之的《列女人智图卷》、阎立本的《历代帝王图卷》等;中古肖像画明显加入了现实因素,但依旧是程式的现实:如顾闳中的《韩熙载夜宴图卷》、赵佶的《听琴图轴》等;近古肖像画进一步接近了现实人物:如曾波臣的《葛一龙像卷》、禹之鼎的《王原祁艺菊图卷》、任伯年的《蕉荫纳凉图轴》等。其中不乏精品和特色,但无论在数量还是对人物内心及情态描绘的深刻程度方面还是显得略逊一筹。作为中国画家自然要研究中国画的传统,作为肖像画的创作与研究,我借鉴多的是西洋画,认同“中学为体,西学为用”这一理念。

我看重肖像画的可读性,希望以形象对话,为之努力的却是把技巧藏在形象的背后。即使工笔画也是如此,把技巧融于内容,把中西绘画中与我有益的因素相融会,在写实和写意之间用心平衡索求的分寸。我以为精神性隐含于它的可读性中,在我是通过对人物个体间不同形质情态去把握的。希望通过这些活生生的个体形象阐释出人性的朴厚与永恒,坚信当这种理想化的字句被载着活力和沉甸甸的情感浸润充实的时候,就不再是空洞抽象的符号了。

 

2013年11月02日 - 张波  - 张波的艺术空间
 

齐鸣,1960年生于沈阳,毕业于鲁迅美术学院。曾任鲁迅美术学院国画系教授。现任北京语言大学人文学院艺术系教授、主任,北京语言大学中国工笔画创作与研究中心主任。中国美协会员,中国工笔画学会理事、北京工笔重彩画会理事。

参加主要展出有:

全国第七、八、九届美展,第四、六届工笔画展。

《牧牛图》一九八五年获全国青年美展鼓励奖。

《青纱帐》一九九一年获纪念“九?一八”事变六十周年全国美展铜奖。

《流年》一九九三年获全国首届中国画展铜奖。

《母亲》一九九五年获“纪念反法西斯战争胜利50周年”全国美展铜奖。

2005年在北京语言大学举办个人画展。

2006年特邀参加全国第六届工笔画展。

2007年应邀参加全国美术院校工笔画名家画展。

2007年应邀参加“形象对话-中国油画?工笔重彩?水墨肖像艺术展”等。

2008年参加工笔画名家新作展。

2009年参加“民生 生民——现代中国水墨人物画学术邀请展”,以及“微观与精致——第二届全国工笔重彩小幅作品艺术展”等。

主要著作有:

《现代工笔画名家特殊表现》、《素描风景》、《齐鸣素描》、《现代工笔人物画技法》。

 

 


齐鸣部分作品

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